ZonaFreak en el BAFICI 2009

gente que se parece a (otra) gente

2009-04-12T23:43:00.003-03:00

Desde aquí Zonafreak lanza la convocatoria/concurso "Gente que se parece a (otra) gente".

La misma (el mismo) consiste en descubrir mediante nuestra afilada pericia ocular semejanzas notorias entre figurines de hollywood (ó cualquier meca, o cualquier cine) y figurones nacionales (de cualquier rubro).

Próximamente publicación de premios.

5 interpretaciones para el institucional de Lisandro Alonso

2009-04-07T00:04:00.007-03:00

Lo que nos dejó el ave de rapiña inmortalizada por el director de Liverpool.

1) Ofrece la provocativa imagen de una lechuza inmóvil frente a la cámara, con ritmo marcado por Domingo Cura (una metáfora a propósito de estos once días, para los cinéfilos, sin lunas ni soles. (Anónimo -¿Battle? ¿Mighetti? ¿Graña?-) La Nación.

2) El corto de un estudiante de cine argentino. Primer plano de una lechuza que respira y mira a cámara sin parpadear. Pasan los segundos y la lechuza sigue respirando. Hay una tensión que no se desata: la lechuza respira y mira fijo a cámara. Y así hasta el final, durante casi tres minutos. Nicolás Mavrakis, Noticias (simpáticamente reventado por Osvaldo Bazán en Crítica)

3) Lo peor hasta el momento: La lechuza del institucional de Lisandro Alonso. Mucho Cannes, pero para el spot no puso un gramo de onda. "Godardista" en Otroscines.com

4) La lechuza representa al adolescente promedio que va al cine y se queda todo el día mirando películas... por que algo es seguro: Al otro día no tiene que tiene que ir a trabajar ni concurrir a la universidad, como hace la gente normal. Martín Seoane, 30 años, editor de sonido de Jesús El Heredero.

5) El corto de la lechuza y su mirada amenazante nos demuestra en cierta forma que en un par de años las lechuzas van a conquistar el planeta tierra y van a esclavizarnos a todos. Esta lechuza en particular parece decirnos "ya van a ver, putos". Guillermo Gatti, editor de Todo x 2 Pesos (ciclo ATC), 29 años.

Entrevista Exclusiva (versión completa) a José Mojica Marins

2009-04-06T23:56:00.003-03:00

Entrá ACÁ y leela.

crítica: Arroz con Leche

2009-04-06T11:36:00.005-03:00

Arroz con Leche. Argentina. 2009. Dir: Jorge Polaco.

Es uno de los paradigmáticos directores "incomprendidos" del cine argentino, un caballero que además de haber sufrido la censura (su film Kindergarten jamás fue estrenado) es vapuleado por crítica y público cada vez que ofrece una nueva obra.

Jorge Polaco asegura que no lo entienden, que sus películas están más allá de la comprensión media, además de estar seguro de que sobrevuela la chatura general. Quizás esto último sea cierto, o quizás no.

Porque Arroz con Leche, al igual que otras de sus producciones (con excepción de La Dama Regresa, extraordinaria clase de kitsch inconsciente) es nada más que un mix de secuencias mal filmadas, diálogos absurdamente dramáticos disfrazados de poesía surrealista y rejunte de una serie de escenas montadas sobre un fuera de sincro insoportable.

Lo que Polaco intentó contar en este caso es la vivencia de un hombre que ingresa en la tercera edad siendo internado por su familia en un geriátrico decadente, dominado por un grupo de monjas tan patéticas como la estética del film (aunque no queda claro cual de las dos cosas vino primero).

No hay buen o mal arte, hay artistas y hay artistas fallidos, hay, como alguna vez lo impuso el italiano Piero Manzoni, "merda d`artista". Empaquetada, embalada y lista para regalo. O para estrenar próximamente, como en este caso.

PD: Ah, Isabel Sarli participa del desmadre en su rol de ícono patriótico o santa de quiensabequecosa. Y sí, seguimos extrañando al inimputable y querido Armando.

* / Castelo

Premios del Público

2009-04-05T22:53:00.006-03:00

Y la gente votó y eligió sus favoritas. A la salida de cada proyección, después de discutirlo (o no) con su compañer@ de fila, como sea y donde sea, los espectadores votaron los films que vieron en el festival, y los resultados fueron estos:

-Competencia Internacional: Breathless, de Ik-June Yang (Corea del Sur)

-Competencia Argentina: 8 Semanas, de Alejandro Montiel y Diego Schipani

-Corto en Competencia: Yo, Natalia, de Guillermina Pico (Argentina)

-Sección Baficito: Básicamente un pozo, del Grupo Humus (Argentina)

crítica: Mental

2009-04-05T21:49:00.005-03:00

Mental. 2008, Japón. Dir: Kazuhiro Soda.

Una de tres: O este humilde servidor ingresó a la sala equivocada, ó la pequeña sinopsis que figura en el catálogo de BAFICI corresponde a otro film (aquí no hay simpáticas organizaciones clandestinas que desbaratan foros de economía con powerpoints crueles y disparatados) ó en algún momento una cinta de moebius cruzó el Abasto y nos ubicó a todos en otro tiempo y otro espacio. De todas formas, la Mental que Zonafreak pudo apreciar comienza con unos títulos que dicen "精神です" ("Mental" en japonés), entonces estamos seguros de que vimos el film correcto.

Se agradece de antemano que Kazuhiro Soda haya insertado una placa advirtiéndonos que se trata de un film contemplativo, abocado simplemente a registrar lo que sucede en una institución psiquiátrica de Kyoto. Pues de esta forma -y al contrario de lo sucedido en FilmeFobia, cuyo arco terrorífico/psicológico se vió deslucido por la advertencia inicial- sabremos relajarnos a tiempo para adentrarnos en el registro documental sin esperar mayores sorpresas donde no debería haberlas.

Los testimonios de los internos pueden resultar terribles (muchos de ellos se encuentran allí tras varios intentos de suicidio), pero es el modo en el cual exponen sus problemas -y su pasado- lo que resulta notable: Se hallan en un espacio lo suficientemente contenido como para obtener la relajación suficiente mientras comentan las situaciones más duras que han sabido transcurrir.

Este espacio suficientemente contenido no sería tal sin el empuje silencioso de un calmo doctor y varios asistentes con paciencia franciscana (esto queda perfectamente expuesto hacia el final del film, en el que un individuo simplemente no puede dejar de hablar por teléfono y lo hace durante lo que parecen ser horas y horas... sin ser molestado nunca), cuyo aporte asistencial resulta tan complejo como vital para los internos, que no dudan en comparar al doctor de cabecera con una divinidad cual Buda.

Mental expone todo lo anterior y mucho más, y Soda sólo se limita a asentir lo que le cuentan con celeridad, respeto y sin interrumpir jamás (como todo buen entrevistador). Incluso cuando uno de los internos -el gracioso del grupo- se burla de su nombre y le dice "Soda, alcanzáme una Soda que tengo sed". =)

* * * / Celina

Diálogo de una Prostituta con su Cliente

2009-04-05T00:53:00.013-03:00

(El chisme enigmático nuestro de cada año)

En la espaciosa y ascética oficina de prensa, haciendo uso y abuso de las computadoras que Fibertel cedió a BAFICI para la ocasión, encontrábase este humilde servidor en medio de dos de los críticos más capangas del país, críticos de nombres idénticos pero apellidos disímiles, llamémoslos D.L y D.B.

D.L. y D.B. mantenían la siguiente amena charla:

D.B: Che ¿Viste aquél film yugoslavo...?
D.L: ¿Ehée? Mhhh... Seeeh, blluhhrrrg, hmmfff, Bueh: Ví un rato nomás
D.B: Jeje. Yo también la voy a ver un rato, me parece.

(Entiéndase que estos dos sujetos generan contenido para dos de los periódicos -diarios- más leídos del territorio)

En eso llega un director cinematográfico calzado en campera negra. Se detiene frente a D.B. y comienza el siguiente diálogo:

Director: ¿Vos sos D.B?
D.B: Ehh... Sí ¿Por?
Director: Mirá, yo soy XXXX XXXXXXXX, resulta que yo dirigí XX XXXX XXXXXXXXX hace un par de años y vos fuiste muy duro conmigo en La Nación. Dijiste que yo era un mentiroso y un mediocre.
D.B: ...No me acuerdo.
Director: Sí, dijiste eso. Yo ni siquiera te conozco, tuve que ubicarte pues quería que me digas por qué elaboraste una crítica tan dura de mi trabajo, en qué elementos te basaste para hacerlo, me encantaría escucharte.
D.B: Eh... Mirá, me acuerdo muy por arriba de tu película, pero no creo haber escrito esa clase de cosas.
Director: Sí, las escribiste. Quería charlar con vos de eso, quería que me digas por qué escribiste lo que escribiste, quisiera escuchar tus argumentos.
D.B: Mhhh bueno, ehhh... No sé, tendría que fijarme en los archivos de La Nación para ver qué escribí, y después podría hablar con vos.
Director: La verdad es que sería necesario.
D.B: Bueno, ehmmmm... Yo me fijo y después cualquier cosa te ubico y tomamos algo y lo discutimos.
Director: Voy a estar por acá.

Queremos creer que luego de dicho encontronazo D.B. efectivamente leyó su antiquísima y dura reseña y respondió las inquietudes del artista respecto a la misma.

Caso contrario, D.B. se fué al mazo mal.

Aclararemos que D.B. no nos parece mal tipo, nos gustan mucho sus camisas y todo eso. Y, por lo tanto, confiamos en que ubicó la reseña y dialogó con aquél director cinematográfico cuyo espíritu artístico quedó lo suficientemente malherido como para pasarle factura respecto a una crítica suya que vió la luz hace bastante tiempo.

crítica: Daytime Drinking

2009-04-04T20:23:00.004-03:00

Daytime Drinking. Corea del Sur. 2008. Dir: Young-Seok Noh

Hay días en que todo sale mal, rematadamente mal, como si el planeta entero hubiera planeado conspirarse contra uno para que la vida sea ya sin dudas ni discusión, definitivamente miserable.

Eso es lo que parece sucederle al protagonista de este opus surcoreano, quien luego de combinar una salida de juerga con sus amigos de noche y alcohol, es plantado en medio de la nada, lejos de casa y con la incertidumbre de qué es lo que vendrá tras ese mal comienzo del día.

Y lo que viene es la ruta del perdedor, el sin sentido de un camino plagado de tropiezos y anécdotas amargas, pero en clave de humor disparatado al estilo oriental, sin carcajadas, con la intención de generar esa sonrisa maligna del espectador felizmente cínico, voyeurísticamente atrapado por la trama.

El debutante Young-Sec Non no sólo dirigió sino que también escribió el guión, produjo, editó, fotografió, musicalizó y le puso sonido a su relato, uno de los más adormecidamente lúcidos de esta edición del BAFICI.

* * * * / Castelo

Nuevas funciones para Domingo 5/5

2009-04-04T20:03:00.003-03:00

Se trata de algunas de las películas que han obtenido premios en el festival.

Así está conformada la nueva grilla.

- Aquele querido mês de agosto, de Miguel Gomes (Portugal), elegida como Mejor Película del Festival se proyectará a las 21:30h en el Hoyts 10.

- Castro, de Alejo Moguillansky, distinguida como la Mejor Película de la Competencia Argentina se proyectará a las 23:45h en el Hoyts 7.

- Todos mienten, de Matías Piñeiro (Argentina), que obtuvo la Mención Especial del Jurado en la Competencia Internacional, se proyectará a las 22:45h en el Hoyts 9.

- Tony Manero, de Pablo Larraín (Chile), ganadora del Premio al Mejor Actor (Alfredo Castro), se proyectará a las 23h en el Hoyts 12.

- Hooked, de Adrian Sitaru (Rumania), ganadora del Premio a la Mejor Actriz (Maria Dinulescu), se proyectará a las 20:30h en el Hoyts 12.

Todos los Ganadores

2009-04-04T19:58:00.006-03:00

Acá va la lista de premiados en esta 11ra edición del BAFICI.

Selección Oficial Internacional
- Mención Especial del Jurado para TODOS MIENTEN, de Matías Piñeiro (Argentina)
- Distinción a Mejor Película Argentina auspiciado por Fuji para TODOS MIENTEN, de Matías Piñeiro (Argentina)
- Mejor Actor para ALFREDO CASTRO, por Tony Manero (Pablo Larraín, Chile)
- Mejor Actriz para MARÍA DINULESCU, por Hooked (Adrian Sitaru, Rumania)
- Premio Especial del Jurado para GASOLINA, de Julio Hernández Cordón (Guatemala)
- Mejor Director para MAREN ADE, por Everyone Else (Alemania)
- Mejor Película auspiciado por Z Films y Hoyts Abasto para AQUELE QUERIDO MËS DE AGOSTO, de Miguel Gomes (Portugal)

Selección Oficial Argentina
- Distinción Mejor Fotografía auspiciado por Kodak para GUSTAVO BIAZZI por la película CASTRO
- Premio Especial del Jurado auspiciado por Cinecolor y Kodak para ROSA PATRIA, de Santiago Loza
- Premio Mejor Director auspiciado por Alta Definición Argentina - Metrovisión y Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias para Pablo Agüero por 77 DORONSHIP
-Premio Mejor Película auspiciado por el Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias y Hoyts para CASTRO de Alejo Moguillansky

FEISAL
- Mención a GABRIEL MASCARO por Um lugar ao sol (Brasil)
- Premio a PABLO LARRAÍN por Tony Manero (Chile)

Premio Asociación Cronistas Cinematográficos Argentinos
- Premio para MARIANO DONOSO por Tekton (Argentina)

Premio ADF
- Premio a SEAN BOBBITT por su trabajo en Hunger (Reino Unido)

Premio SIGNIS
- Premio al film BREATHLESS, de Yang Ik-june (Corea del Sur)

Premio FIPRESCI
- Premio a EVERYONE ELSE, de Maren Ade (Alemania)

Competencia Derechos Humanos
- Mención para NoBody’s PERFECT, de Niko Von Glasow (Alemania)
- Mención para LA MÈRE, de Antoine Cattin y Pavel Kostomarov (Suiza y Rusia)
- Mención para LA FORTERESSE, de Fernand Melgar (Suiza)
- Mejor película BAGATELA, de Jorge Caballero (Colombia)

Cine del Futuro
- Mención para FILMEFOBIA, de Kiko Goifman (Brasil)
- Mejor Película auspiciado por I.SAT para LA NEIGE AU VILLAGE, de Martin Rit (Francia)

Competencia Oficial de Cortometrajes
- Mejor Cortometraje auspiciado por Kodak para SILENCIO EN LA SALA, de Felipe Gálvez Haberle (Argentina)
- Mejor Cortometraje auspiciado por CIEVYC para PEHUAJÓ, de Catalina Marín (Argentina-Uruguay)
- Mejor Cortometraje auspiciado por CIEVYC para YO, NATALIA, de Guillermina Pico (Argentina)

Más sobre el encuentro con José Mojica Marins

2009-04-04T12:21:00.002-03:00

En una entrevista exclusiva con ZonaFreak.com.ar, el realizador más bizarro del Brasil, presente en el BAFICI, entre otras cosillas contó como en sus comienzos sacaba lo mejor de sus actrices... con un alicate, además de confirmar la leyenda sobre sus once meses de gestación antes de nacer.

Además, en la terraza del Abasto Plaza, donde se hizo la nota, el hombre nos sirvió vino y nos contó parte de su historia con el cine y la censura de los años oscuros, además de adelantar sus nuevos proyectos, que incluyen una nueva película de su gran alter ego: Ze do Caixao.

Aquí algunas imágenes obtenidas por nuestra retratista oficial, Flor. En los próximos días, en el site, la entrevista completa.

Recomendaciones sábado 04/04

2009-04-04T00:03:00.002-03:00

Take Out
13.30 Hoyts Abasto
24 horas junto a un delivery que junta dinero para la necesidad imperante de pagarle a sus prestamistas.

Love Exposure
17.45 Hoyts Abasto
Cuatro horas sobre la vida de jóvenes orientales obsesionados con las entrepiernas de las féminas.

Dazzle
21.00 Teatro 25 de Mayo
Una pareja separada por miles de kilómetros (uno de ellos está en Buenos Aires) y todo parece eterno, efímero, fatal y maravilloso.

I Sell the Dead
22.15 Malba Cine
Una de terror, de traficantes de cuerpos, pero ambientada far far away.

crítica: FilmeFobia

2009-04-03T12:20:00.010-03:00

FilmeFobia. 2008, Brasil. Dir: Kiko Goifman.

Quizá si antes del comienzo de la proyección nadie hubiera dicho nada respecto del contenido enteramente apócrifo de este film, las cosas hubieran resultado de otro modo. Dejando de lado diferencias estéticas, narrativas y de contenido, hubiera sido similar a concurrir a una proyección de la Balnearios de Llinás sabiendo de antemano que todo es farsa.

FilmeFobia recoge los testimonios de Jean-Claude, un pretendido artista padeciente que precisa encontrar la forma de retratar el terror en pantalla del modo más efectivo y veraz posible. El método escogido consiste en exponer a un grupo de individuos a sus fobias más oscuras, que no deben ni por equivocación tomarse el solfa (fobia a los botones -no estamos hablando de policías- y a las mariposas, pasando por las más comunes fobias a la sangre y a los payasos) y registrar lo sucedido en formato digital... mientras FilmeFobia funciona como un backstage pulido (35mm) del punto central del relato.

El resultado no deja de ser interesante como idea, su tratamiento puede agradar como desagradar, pero lo realmente importante es que el film se encuentra deslucido y condicionado por la advertencia inicial sobre la falsedad de absolutamente todo lo expuesto, inclusive los comentarios espontáneos de José Mojica Morins.

Nadie que respete y tema (valga la redundancia) a sus temores es capaz de entregarse a esta clase de juegos, con la excepción de que seas obligado a ello por alguien raro y convalesciente. Alguien de la talla de Jean-Claude, o de Jigsaw. Ambos nombres comienzan con J y todo.

Quizá quepa preguntarle a Goifman cuánto de El Juego del Miedo hay en FilmeFobia.

* * / Celina

Lisandro Alonso Reloaded

2009-04-03T05:25:00.006-03:00

Zonafreak.com.ar, en lucha por la utilización consciente de material fílmico en 35mm.

crítica: The Blessing

2009-04-03T03:13:00.005-03:00

The Blessing. 2009, Dinamarca. Dir: Heidi Maria Faisst.

Al contrario de lo que sucedía con Rebecca en The Stranger In Me (2008, Emily Atef), lo que sucede con Katrine en The Blessing supone un brote menos guarro y desenfrenado.

Hablar de crisis post-parto, además de machista, podría resultar inexacto y tendencioso. Existe una furia extraña que se corresponde con el nacimiento del crío en cuestión, y las causas y motivos parecen ser propiedad privada de Katrine, quien al final del periplo parece precisar sólo una cuota de tranquilidad y contención que no puede hallar ni en su mamá (una anciana harto entrenada en cuestiones de maternidad) ni en su pareja (que no sabe de qué modo reaccionar).

La criatura en cuestión tiene la gracia de llorar mucho en brazos de Katrine, pero cierra la bocaza en brazos de su abuela. Encima su peso disminuye pues no logra prenderse con comodidad del seno de Katrine. Esto (y muchas cosas más) provocan furia y vómitos en la mamá primeriza, que en cierto punto desea desprenderse de absolutamente todo y alejarse.

The Blessing funciona como ejemplo (uno más) de que la maternidad bien entendida quizá no empiece por casa, por no decir que la maternidad poco tiene que ver con escarpines, talco y sonrisas y mucho que ver con furia, desagrado, extrañeza, rechazo y -quizá- aceptación. El film tal vez carezca de un tratamiento más preciso ó explicativo de las acciones y reacciones de Katrine respecto a su bebita, pero entendemos que así pueden sucederse y a nadie debería molestarle ó sorprenderle nada, ni siquiera el idílico final.

* * 1/2 / Celina

crítica: Tres es Multitud (Rushmore)

2009-04-02T23:16:00.003-03:00

Tres es multitud (Rushmore). EE.UU. 1998. Dir: Wes Anderson.

Wes Anderson (el hombre detrás de Life Aquatic y The Royal Tenembaums) dirigió en 1998 este, su segundo opus, que a fuerza de escenas de un humor brillante y personajes de una riqueza infinita, es sin ninguna duda una de las grandes comedias del cine de los Estados Unidos.

Max Fischer es un nerd a contramano, un alumno de high school que tiene buenas notas en las materias humanísticas pero que fracasa en algunas de las más importantes. Como bonus track, se anota en todas las cursadas accesorias que puede (teatro, lenguas muertas, jardinería) y en todas triunfa con el mismo ruido con el que fracasa en términos afectivos, enamorado de una profesora que fue conquistada por su amigo adulto (el extraordinario Bill Murray).

Ah, los celos, la venganza y el rencor... en manos de Wes Anderson están tan lejos de Otelo como cerca de la mejor tradición del cine independiente yanqui, casi inaugurando un paradigma de cómo filmar comedias inteligentes y sin apelar al más mínimo lugar común.

Una joya, sí, y sin ánimo de caer en un refilón reaccionario que niegue la novedad, quien esto escribe estima que junto a La maman et la putain, es la mejor película de esta edición del festival.

* * * * * / Castelo

Recomendaciones viernes 3/4

2009-04-02T22:59:00.003-03:00

Bonus Track
13.00 Hoyts Abasto
La nueva película de Raúl Perrone.

Hooked
15.30 Atlas Santa Fe
Una cámara subjetiva para cada personaje. Una pareja de amantes, una prostituta. Un film de suspenso dramático en tono naturalista.

Daytime Drinking
16.00 Hoyts Abasto
Un día en el que todo le sale mal a nuestro amigo protagonista, en medio de mucho alcohol y gente impresentable que se le cruza una y otra vez, en las que podrían ser las mini-vacaciones más accidentadas de la historia del cine.

Yakuza eiga: Une histoire secrète du cinéma japonais
17.45 Teatro 25 de Mayo
Todo lo que siempre quiso saber sobre los yacuzas pero nunca se animó a preguntar.

U
18.15 Atlas Santa Fe
Una de dibujos animados de la sección Baficito, además del título más corto de la historia del BAFICI.

Wendy and Lucy ((entradas agotadas))
21.15 Hoyts Abasto
Wendy, una chica varada en un pueblo donde todo parece hostil. Y lo es. Lucy, un perro perdido en un entorno ídem.

Stalags - Holocaust and Pornography in Israel
22.00 Arteduplex Caballito
¿El antisemitismo como origen de un subgénero? Algo así.

Achilles and the Tortoise ((entradas agotadas))
22.45 Arteduplex Caballito / 0.15 Atlas Santa Fe
Takeshi Kitano y un catálogo de arte plástico en un sólo personaje, ecléctico y trágico.

Hansel and Gretel ((entradas agotadas))
0.30 Hoyts Abasto
El clásico pero al revés y en clave oriental. Un adulto encerrado en una casa con dos menores, conoce el significado de la palabra angustia.

Tres es multitud (Rushmore)
0.45 Atlas Santa Fe
Una de las más grandes comedias del cine de los Estados Unidos.

crítica: Stalags

2009-04-02T20:51:00.004-03:00

Stalags: Holocaust and Pornography in Israel. Israel, 2007. Dir: Ari Libsker.

Stalags establece dos elementos que marcaron al holocausto de una vez y para siempre: Por un lado, las terribles y ultratelevisadas declaraciones de Jehiel Dinur (K. Zetnik) -con desmayo incluído- en el juicio al perro Eichmann y por el otro, cierta literatura de alto contenido erótico dada en llamar "Stalag".

En los Stalags, un hombre de bien (musculoso y fornido y casi siempre USMC) cae preso en un campo de concentración regenteado por neumáticas capitanas nazis. Dichas capitanas no escatiman en torturar sexualmente al hombre que, entre otras cosas, desea escaparse de allí no sin antes violar merecidamente a sus captoras. Los Stalags provocaban rotundo interés en la juventud del estado israelí, al punto que muchos de ellos (años después) confiesan ante cámara un explícito deseo de poder ser "aquél muchacho cautivo" preso de la voracidad sexual de una nazi. Incluso, presentan deseos de no querer abandonar el campo de concentración nunca jamás.

Mientras los relatos de ciudadanos hoy por hoy maduros se entrelazan con la historia del Stalag (sus autores -siempre a media sombra-, su temática, su relación directa con las declaraciones de K. Zetnik), los miembros más intelectuales del estado se debaten ante el peligro que supone recordar y concebir al holocausto tan solo con dos exponentes tan intensos y desmadrados como los Stalags y las declaraciones que surgieron del juicio a Eichmann.

Stalags: Holocaust and Pornography in Israel genera un sólo momento de nerviosa carcajada (un sujeto confiesa deseos de asesinar -vía sexo anal- a una alemana nieta de nazis pero se disculpa diciendo "no soy un perverso"). El resto del film reúne los elementos necesarios como para establecer un profundo debate respecto al modo mediante el cual las nuevas generaciones de Israel deberían (según sus propios progenitores y el ala más librepensadora de la cultura y la política) concebir y procesar algo tan terrible como el holocausto.

Interesante y más que bien recibido documental sobre un pueblo que se debate entre reconstruír el vértice más oscuro y doloroso de su pasado ó dejarlo tal cual está.

* * * * / Celina

crítica: Waltz With Bashir

2009-04-02T15:50:00.006-03:00

Waltz with Bashir es un documental, sí, pero no contado de la forma clásica. Tal vez se trate de uno de los testimonios más atípicos que se hayan realizado jamás en el cine bélico. El motivo es simple, se trata de un documental animado en donde la animación no es más que un estilo visual, por que las imágenes son tan impactantes como si hubieran sido filmadas en celuloide, y hasta por momentos más.

Ari Folman es el responsable, intérprete y protagonista de su propia historia en la cual la guerra del Líbano hizo estragos en su conciencia, hasta el punto de que aún en la actualidad sueña que es perseguido por una jauría de perros de la cual en sus días al servicio del ejército, él mismo fue verdugo. Y así comienza la historia…

Sencillamente por su contenido y por su forma de expresión, es una parada obligatoria en el BAFICI para todos los espectadores cinéfilos (sin olvidar que, como si fuera poco, fue una favorita de las nominadas al Oscar pasado en la categoría de film extranjero). Y por sus características difíciles de distribución más vale no dejarla pasar por alto, ya que quién sabe si llegará a las salas comerciales...

* * * * / Torres

crítica: Hooked

2009-04-02T12:43:00.004-03:00

Hooked. Rumania. 2008. Dir: Adrian Sitaru.

Con una cámara subjetiva que nos muestra en primera persona lo que ven los personajes, este film de Adrian Sitaru es una pequeña y a la vez perfecta cajita de sorpresas que adhiere a cierto cine de suspenso minimalista, pero en clave de melodrama naturalista.

Una mujer y su amante salen de picnic. En camino al lugar elegido, atropellan a una prostituta a la que por el golpe dan por muerta. Mientras piensan y planean el devenir de la historia que están construyendo ese fatídico día, descubren que las cosas pueden caer en un pozo que, desde aquí en el culo del mundo, podríamos comparar con el intrincado derrotero de los personajes de Lucrecia Martel en La Ciénaga.

Hooked se revela como una bocanada de cine en estado puro, crudo, quizás sí emparentado con lo que alguna vez anunció a los gritos Lars von Trier y su estratégico movimiento Dogma, aunque, en esta producción rumana, desde un lugar más honesto y sin los artilugios de sonido hi-tech (como en Los Idiotas) o declamaciones previas para la prensa especializada.

* * * * / Castelo

crítica: Everyone Else

2009-04-02T12:23:00.003-03:00

Everyone Else. Alemania. 2009. Dir: Maren Ade.

La clásica historia de la pareja en crisis, pero con la vuelta de tuerca necesaria como para transformarla en una pequeña tragedia en varios actos, o en uno solo pero contundente y afín al melodrama rupturista, lo que no es poca cosa.

Maren Ade nos cuenta que ella (la chica protagonista) y el, ambos cerca de las tres décadas de vida, pasan unos días de romántico viaje en casa familiar junto a la montaña, solos, sin la presencia de padres molestos pero sí con el entorno creado por una madre kitsch y adoradora ¿fetichista? de la naturaleza hecha adorno.

Como frutilla de la torta, un amigo (de él) más idiota de lo tolerable, dominante, pedante y que nada bien le cae a ella.

El mix conlleva discusiones, escenas de romance interrumptus y una cámara inquieta que sigue a sol y sombra el derrotero amoroso de los tortolitos, mientras nosotros desde la butaca asistimos con el gusto del voyeur a un drama de enredos afilado y concreto.

* * * / Castelo

crítica: Achilles and the Tortoise

2009-04-02T01:40:00.003-03:00

Achilles and the Tortoise. Japón. 2008. Dir: Takeshi Kitano.

Desde que el arte fue fundado como tal, desde que se discute cómo definirlo o desde que se busca como detectar cuando una expresión artística está ante nosotros, el debate sobre la legitimidad de la obra y/o su autor, es moneda corriente. Duchamp aparte, claro.

Tomando como paralelo argentino al aún inédito largometraje El Artista (de Cohn y Duprat, desde un lugar más cínico y satírico), esta Aquiles y la Tortuga del gran Kitano se planta en el Bafici como una punta más de discusión, como una forma de plasmar el punto de vista de un artista del cine, de un realizador que pone sus vísceras detrás de la pantalla al servicio de su obra.

El film nos muestra la vida de Machisu Kuramochi, artista dedicado a la plástica desde temprana edad, que sorprende y maravilla a propios y extraños, hasta que la bancarrota de su padre lo deja abandonado a un familiar que poco hace por él y sus pulsiones. Con los años, el niño se hace adulto y continúa por el camino del pincel y los colores, aunque apelando al vampirismo estilístico, con suerte dispar y destino de final dudoso.

Kitano, que encarna al artista en su mediana edad, no escatima pinceladas delicadas ni brocha gorda, despliega su reconocido humor sutil así como también pasajes de carcajada freak, con escenas que bien podrían formar parte de un compilado de momentos cumbre para ser visionados, estudiados y comentados en cualquier institución sobre teoría artística.

Quizás no estemos ante lo más afilado del director de Brother y Violent Cop, pero sin dudas sí estamos ante uno de esos films que rompen la monotonía del promedio general, de la mirada perdida y de los diálogos-ingeniosos-sobre-nada. Take Takeshi.

* * * 1/2 / Castelo

crítica: The Man Who Loved Yngve

2009-04-01T22:24:00.002-03:00

The Man Who Loved Yngve. Noruega, 2008. Dir: Stian Kristiansen.

Los primeros minutos del film, con Jarle (el muchacho protagonista) escupiendo en pantalla su discurso volátil y agresivo, pueden hacernos pensar que The Man Who Loven Yngve se trata de algo similar a un prístino Trainspotting noruego.

Pero no: Las únicas drogas que consume Jarle son marihuana y anticonceptivos. Y mientras intenta recrear su fuego interno a fuerza de canciones (tiene una banda) y lazos fraternales con su amigo Helge y amorosos con su novia Katrina, encuentra en Yngve (un nuevo compañerito de cursada) algo más. Algo prohibido pero sumamente atrayente y sedante.

Yngve no tiene nada que ver con sus gustos y preferencias (musicales, deportivas, intelectuales) y así y todo... Jarle e Yngve comienzan a establecer una relación en la que el deseo aumenta conforme la performance de Jarle en tenis mejora (gracias a las clases personalizadas de Yngve).

En medio de todo esto, situaciones muy divertidas que involucran a Helgé y su reticencia a perder a su amigo y -por consiguiente- a su puesto en la banda, a Katrina y sus justificados planteos, y a una mamá que acaba de quedar desempleada y prefirió ocultar dicha noticia a su hijo por que lo encontraba perturbado.

The Man Who Loved Yngve expone -con un giro lo suficientemente impactante- la potencia de aquéllo que no sabemos bien de qué manera escribir pero que comprende obsesión, (mucho) deseo, aceptación, rechazo, crisis, perdón y aceptación.

¿Amor? Quizá.
Habría que preguntarle a Jarle, pues creemos que Yngve (interpretado por un perfecto -en todo sentido- Ole Christoffer Ertvaag) no estará en condiciones de contestarnos al final del metraje.

* * * * / Celina

crítica: NoBody´s Perfect

2009-04-01T21:44:00.004-03:00

NoBody´s Perfect. Alemania, 2008. Dir: Niko Von Glasow

La Talidomida fué un medicamento generado el pulpo alemán Grünenthal y su acción terapéutica rezaba alivio a los dolores que aquejaban a las personas en período de gestación y embarazo. Lo que el prospecto nunca rezó fué una terrible contraindicación que resultaba en desórdenes genéticos en el nonato, desórdenes que provocarían malformaciones en las extremidades. La década del `50 dejó como saldo de la ingesta masiva de Talidomida varios millares de críos deformes.

Uno de esos críos, Niko, decide (40 años después) reunir a un pelotón de los suyos (entiéndase: Hombres y mujeres víctimas de la Talidomida) para realizar un almanaque como el de Pirelli pero protagonizado por ellos y sus cuerpos absolutamente desnudos, para decorar las bellas strasse alemanas con posters gigantes de la malformación con la cual viven y -Michael Moore agradece- llevar una gigantografía a la sede de la farmacéutica Grünenthal, para entregársela al dueño del pulpo en su mismísima mano sana y bienformada.

De modo que Niko emprende un viaje en el que encuentra a varios Talidomidas como él, todos profesionales realizados (el que no es abogado es consultor ó actor ó actriz ó analista de sistemas con 200 puntos de coeficiente intelectual) que le explican a Niko -y a nosotros- lo que sucedió con ellos y el modo a través del cual lograron superar el inconveniente motriz y aceptarlo como un estilo de vida no del todo perro (cuestión por demás probable y posible en un país del primer mundo que subvenciona a sus discapacitados con 40.000 euros por año de pensión y cobertura médica gratuita).

NoBody´s Perfect resulta divertida cuando no emocionante, particularmente en el momento en el cual la hija de Niko interroga a su papá respecto de los motivos que lo llevaron a realizar un documental y charlar con tanta gente rara y Niko responde "por que si charlás más de 10 minutos con un raro te das cuenta de que empezás a olvidarte de su rareza y te centrás en otras cosas". =)

* * * * / Celina

crítica: Tony Manero

2009-04-01T18:46:00.003-03:00

Tony Manero. Chile. 2008. Dir: Pablo Larraín.

El hombre es profesor de baile en una pequeña, insignificante escuelita para amateurs. Con toda su enfermiza y patológica obsesión a cuestas, intenta asemejarse todo lo posible a su ídolo explícito: el personaje que John Travolta encarnó en Saturday Night Fever.

Pero el alegre danzarín que la iconografía de Hollywood colocó en el limbo del cine shampoo poco tiene que ver con este que tenemos en pantalla (de notable parecido en algunos planos con Al Pacino); tosco, patético y ruin hasta la más triste desesperación, características que se irán profundizando hasta alcanzar un cenit de empalagoso dolor, de carretera sin fin.

Con una estética que toma tips visuales de la oscuridad áspera de Arturo Ripstein, y un perfil de personajes que roza el imaginario del realizador mexicano pero también el del Seul Contre Tous de Gaspar Noé, el chileno Pablo Larraín logra un trabajo sólido, formalmente prolijo y deliberadamente decadente. Toda una sorpresa en este Bafici, al tiempo que una verdadera y concreta promesa de un "nuevo cine chileno" que parece apostar a mucho más que el promedio de lo que estamos viendo en el último lustro de este lado de los andes.

* * * * / Castelo

crítica: Tiempos malos

2009-04-01T18:36:00.003-03:00

Tiempos malos. Chile. 2009. Dir: Christian Sánchez Garfias.

Antes de la proyección destinada a la prensa, el director de Tiempos malos, presente en la sala, aclara que lo que vamos a ver es un working progress al que falta corregirle detalles de sonido, la banda original y cuestiones de luz y títulos.

Si a la copia de trabajo que se proyectó en el Bafici también le falta el reemplazo completo del elenco protagónico (tan inoperante que todo parece una gran comedia absurda) y sus torpes líneas de diálogo, la reescritura de un guión que parece salido de una mala práctica de telenovela o bodevil clase B (un personaje sale, otro entra) y la eliminación (o refilmación) de una escena en la que un muerto abre y cierra los ojos en medio del plano... si esto también queda sujeto a reformas para la copia definitiva, pues bien, allí entonces es cuando finalmente tendremos un largometraje.

Porque lo que se ha visto en esta edición del BAFICI es cualquier cosa menos el resultado de un trabajo cinematográfico.

* / Castelo

crítica: Wendy and Lucy

2009-04-01T17:49:00.005-03:00

Wendy and Lucy. EE.UU. 2008. Dir: Kelly Reichardt.

Una flaquita rubia, bonita y con un perro, queda varada en el pueblo menos pensado, camino a Alaska y con un auto que pide a gritos un limón, o en lo posible un mecánico.

Casi sin dinero, con una postal geográfica poco amistosa y el frustrado robo a un supermercado, el destino de la Wendy del título (y el can Lucy) parece tan imprevisible como oscuro. Y podríamos decir que, clavada en un pueblo que le resulta hostil y que sólo parece ofrecerle compasión a través de un anciano extraño, nuestra anti-heroína vive una pequeña gran exploración de una versión a escala del mundo, ese que por momentos parece complotarse para hacernos la vida muy, muy complicada.

* * * * / Castelo

crítica: No Subtitles Necessary

2009-04-01T02:26:00.003-03:00

No Subtitles Necessary: László & Vilmos. USA, 2008. Dir: James Chressantis.

László Kovacs y Vilmos Zsigmond pueden resultar nombres (y apellidos) poco comunes, tan solo basta repasar la secuencia de créditos de un par de clásicos como Deliverance, Easy Rider, The Deer Hunter y Close Encounters of the Third Kind para saber de quiénes se trata.

Kovacs y Zsigmond resultan ser notables directores de fotografía, que supieron imprimir con su estilo el germen de lo que algunos catedráticos consideran el nuevo cine americano. Y lo simpático de todo esto es que ambos son húngaros que supieron cruzar la frontera de su país escapando del yugo de la madre Rusia con varias latas de fílmico en las cuales registraron el desborde en cuestión.

No Subtitles Necessary expone, a través de declaraciones de actores y colegas de la talla de Vittorio Storaro, que ambos son monstruos que supieron ganarse el cariño de todos con quienes trabajaron, excepto Zsigmond con Spielberg, en un episodio turbio que nunca se aclaró del todo pero que de un modo u otro le valió al DF un oscar que podría haber merecido por obras anteriores, aunque la fotografía de Close Encounters también sea un golazo.

También se descubre, a medida que corren los minutos, que ambos mantienen una relación muy estrecha y personal afianzada a través de años y años de trabajo y experiencias lo suficientemente traumáticas como para dejar knock-out a más de una persona.

Una bella oportunidad de conocer la historia de dos auténticos artesanos de la luz (aunque se trate de una frase armada) y, de paso, observar en pantalla grande escenas fabulosas de Deliverance, Easy Rider y todos los films a los que este dúo colmó de luz.

El valor agregado de No Subtitles Necessary involucra concurrir a la proyección y contar (tal vez) con la suerte de escuchar a Zsigmond en vivo (Kovacs ha fallecido) respondiendo todo lo que los avispados espectadores deseén saber.

* * * * / Celina

crítica: Carmen Story

2009-04-01T02:15:00.003-03:00

Carmen Story. 1999, República Checa. Dir: Helena Tretziková.

El director artístico Jozef Bednarik se asemeja mucho a Tití Fernández pero lo descubrimos un poco más intenso que nuestro cronista deportivo. Tiene en sus manos una reelaboración (teatral) de Carmen que le está quitando el sueño, situación esta que no lo afecta en el día a día de la preproducción por que su intensidad es directamente proporcional a los simpáticos gritos que le dedica a todo el mundo, en particular a Dagmar Pecková, la soprano que encarnará a Carmen y que parece ser capaz de reventar 14 frascos de berenjena con alguno de sus exquisitos falsetes.

Tretziková, al contrario de lo realizado en Lida Baarová´s Bittersweet Memories, abandona el testimonial contemplativo apuntalado en material de archivo para entrometerse (en buen plan) tras bambalinas en lo que resulta un documental en el cual las personalidades destacadas (en cartel) sacan a relucir su poder y -obviamente- chocan entre sí, con resultados tan interesantes como (algunas veces) divertidos.

¿La revisión de Bednarik respecto a Carmen cosechará los resultados personales perseguidos? ¿Pecková explotará en algún momento? Habrá que ver.

* * * / Celina

crítica: Love Exposure

2009-03-31T18:19:00.015-03:00

Ai No Mukidashi (Love Exposure). 2008, Japón. Dir: Sono Sion.

El peligro de prestar demasiada atención -todos lo hicimos/hacemos- a los resúmenes que ofrece la grilla es encontrarse con hermosuras tales como que Sono Sion es un caprichoso y que esta película, además de contener lesbianismo y sangre y fotografías de bombachas (lindos y agradecidos señuelos) dura 4 horas.

El lesbianismo, la sangre y las fotografías de bombachas están allí, eso es indudable e invalorable y producirá dicha en (casi) todos. Lo que también está en Ai No Mukidashi es algo más, algo similar a una gesta imperdible en la que se exponen cuestiones como bipolaridad, culpabilidad, tortura (otra vez), esquizofrenia, éxtasis, familia... y la lista sigue.

El "capricho" de Sono Sion -que parió "caprichos" como Jisatsu Saakuru/Suicide Circle- inicia su metraje tiernizándonos y divirtiéndonos (nunca de modo gratuito) con la historia de alguien que, por cuestiones que sería mejor comprobar por nosotros mismos, precisa pecar cuanto antes y decide que el mejor modo de hacerlo es fotografiando -de modo voyeurista/hiperkinético- las faldas de las muchachas que caminan por la calle. Una hora después, luego de que liberamos toxinas con tanta diversión, empezamos a notar (junto a los títulos, que comienzan a la hora) que Ai No Mukidashi no es simple y que al raid de "pecados" de los protagonistas habría que agregar terrible, bello y directo koi/otaku (amor/obsesión) matizado -cuándo no- con hentai (perversión). =)

Olvídense de las cuatro horas: Se suceden más rápidamente que el minuto que dura el cortometraje de la lechuza vizcachera de Lisandro Alonso. Y, al contrario de aquél, Ai No Mukidashi no contiene una lechuza si no una hermosa cotorra australiana verde. Y también un final feliz tan efectista como rotundamente emocionante.

Quizá se trate del film más bello de BAFICI2009.

BONUS TRACK: La (hermosa) canción que suena a cada rato durante las tan mentadas 4 horas de metraje está interpretada por el increíble Yura Yura Teikoku (ゆらゆら帝国) y la canción, queremos creer, se llama Hollow Me (空洞です). Aquí debajo, un link que nos transporta a una bella interpretación en vivo de dicha canción. Nuestro Agradecimiento a Happy Suicidal.

* * * * * / Celina

crítica: Egon & Donci

2009-03-31T15:02:00.004-03:00

Egon y Donci. 2008, Hungría. Dir: Ádám Magyar

Resulta curioso de por sí acercarse al film de Magyar para comprobar que todas las posibles similitudes entre su obra y un tanque de la talla de Wall-e no son arbitrarias y, como si fuese poco, tampoco le queda grande dicha comparación.
Si bien no estamos claramente ante la presencia de uno de esos films que funcionan tanto "para grandes como para chicos" (los primeros quedarán un tanto dejados de lado por culpa de un lenguaje cusi teletubbie), Eton & Donci se sostiene únicamente por su aspecto visual que, por si no quedó claro, es impecable. Si bien el diseño de los dos personajes principales es básico, los entornos y paisajes creados con tecnología 3D nada tienen que enviarle a la mejor producción de Dreamworks o inclusive Pixar. Del espacio exterior al planeta Tierra, se podría decir que el film de Magyar es el "lado B" del robotito de Pixar, puesto que narra la misma historia pero al revés, con similares conclusiones y la única diferencia de que aquí no hay diálogos ni un guión tan sólido como el de la productora de Toy Story.
De hecho, la casi invisible "trama" de Eton y Donci se limita a mostrar cómo sus protagonistas viajan por el Universo, sin motivaciones más que la aventura infantil que los tiene yendo de un lado a otro sin un claro objetivo. Casi no hay humor, y el que hay apunta al coeficiente intelectual de niños de no más de 4 años, tampoco demasiado desarrollo de personajes ni mucho menos un arco argumental. El film se pierde por momento en secuencias que van de lo sencillamente tontas hasta lo extrañamente contemplativas (con referencias a 2001: Odisea al Espacio de por medio),
y lo que salva del tedio a la película es apenas la técnica por sobre el relato, y un final que al menos intenta justificar el porqué de algunos baches y decisiones artísticas que conspiran contra el resultado final de la película.

* */ Torres

Recomendaciones Martes 31/3

2009-03-31T00:03:00.004-03:00

9 to 5: Days in Porn
11.30 Hoyts Abasto
Documental sobre la industria del porno en California, con todo lo que eso puede darnos en pantalla.

Solaris ((funciones agotadas))
14.00 Hoyts Abasto
El clásico indestructible del realizador admirado por todos a lo largo del mundo. Ciencia ficción sin referencias de donde tomarse ni películas a las que robarle nada. Sólo cine puro y que además aprovecha el género para reflexionar sobre si mismo.

Breathless
15.00 Hoyts Abasto
Es la historia de un matón, como no hay otro igual, que nos hace comprender, todo el bien todo el mal.

Cook County
16.15 Hoys Abasto
Cine indie yanqui, metanfetaminas, personajes perdidos en si mismos y todo eso que hace de un film festivalero una opción interesante.

Chelsea on the Rocks ((funciones agotadas))
16.30 Arteduplex Caballito
Abel Ferrara, director de Un maldito policía nos cuenta la historia de uno de los edificios míticos de New York. Sexo, drogas y rock and roll en la no tan inmóvil vida de un hotel único e irrepetible.

Sita Sings the Blues
17.45 Hoyts Abasto
Comedia animada que rompe convenciones no sólo del género sino también de lo que puede o no decirse sobre una religión, en este caso la indú, y su relación con la mujer a través de la historia.

Know Your Mushrooms ((funciones agotadas))
20.30 Hoyts Abasto
Una sobre hongos alucinógenos, del mismo director de ese documental clásico que ya es Grass.

Hunger
20.45 Hoyts Abasto
Una cárcel, un grupo de presos del IRA y una doctrina de seguridad interior trágica y de resultados inciertos. O no.

Chocolate
23.15 Hoyts Abasto
Fue la mejor película de artes marciales del reciente festival de Mar del Plata. Y acá hará lo propio, con una lady de patada fatal que hace de The Bride un mero playmobil.

Tony Manero
23.15 Atlas Santa Fe
Un personaje que parece salido de la filmografía de Gaspar Noé, convive en un círculo familiar que parece trazado por Arturo Ripstein, pero a la chilena y con la sombra de John Travolta sobre todos, cubriendo el escenario de truculencia y dolor.

Estuvimos con José Mojica Marins

2009-03-30T21:11:00.003-03:00

El más bizarro de los directores del Brasil está en Buenos Aires presentando su último opus, Encarnacao do Demonio.

Estuvimos con él, tomamos vino y, entre otros temas, hablamos sobre sus torturas físicas a los actores, su mirada sobre el cine de género y sus próximos proyectos.

Continuará...

crítica: Lida Baarova´s...

2009-03-30T20:44:00.005-03:00

Lida Baarova´s Bittersweet Memories. República Checa, 1995. Dir: Helena Tretsiková.

Lida Baarova fué una luminosa actriz checa que, si bien no hizo escuela, hizo grandes films su país natal y también en Italia y Alemania. Se la compara (en el catálogo BAFICI) con Marlene Dietrich. Sucede que Baarová estuvo -ella nos lo aclara- siempre en el lugar incorrecto, y siempre en el momento menos oportuno. Adolf Hitler notó algo cautivador en su mirada ("¿qué le habrán hecho sus ojos?") y no paró -vía Goebbels- hasta convertirla en una de las actrices consentidas de la UFA.

Esto supuso para la pobre Lida la inmediata y perpetua cruz de su pueblo checo, pues mientras ella trabajaba ajena a casi todo, afuera de los estudios el nazismo devastaba absolutamente todo.

Lida Baarova´s Bittersweet Memories muestra a la actriz pocos meses antes de su deceso, en una casa con demasiadas fotos de su rutilante pasado, relatando sucesos similares a los que este humilde servidor escribió dos párrafos hacia arriba. Además llora (mucho) y canta. Y mira películas todo el día. Sus propias películas. Todo el día. En VHS.

Enarbolando lo deprimente como calidad valorable en estrellitas, esta película es excelente. Caso contrario, se trata de un testimonial ideal para potenciar estadíos poco gratos ó para rebajar estadíos de plena alegría

* * 1/2 / Celina

crítica: Sita Sings the Blues

2009-03-30T19:53:00.003-03:00

Sita Sings the Blues. EE.UU. 2008. Dir: Nina Paley.

Sí, es cierto, reirse de la cultura indú desde los Estados Unidos es fácil, aunque no menos políticamente incorrecto, teniendo en cuenta las buenas relaciones político-comerciales de Washington para con la India.

Pero más allá de consideraciones paratextuales, Site Sings the Blues es una gran película de humor ácido, un trabajo de animación que apela a una estética y una puesta formal que rompe con la tranquilizadora hi-tech de los últimos años.

Olvídate amig@ del 3-D, olvídate de la plasticidad y hasta el stop motion. Aquí tenemos dibujos fijos en clave de movimiento al estilo South Park, pero con un refinamiento visual que resulta tan agradable como afin a una historia que busca reirse de la historia, como un relato que nos cuenta con soltura las ataduras del mito religioso.

Además, la directora apela no sólo a un modo relajadamente frenético para contar su historia, acompañada del mejor jazz y blues, poniendo en boca de su maltratada fémina protagonista líricas que apelan tanto a la simpatía del espectador como a la piedad de los dioses, tan sabios y cínicos ellos. Tan inexistentes ellos. Como ese en el que vos creés.

* * * * / Castelo

crítica A l'ouest de Pluton

2009-03-29T22:36:00.003-03:00

A l'ouest de Pluton. Canadá. 2009. Dir: Henry Bernadet & Myriam Verreault.

Estudiantes en edad de adolescer con conflictos ad hoc, en un escenario urbano de casitas, pueblo chico e infierno grande. No se trata de otro opus de Gus Van Sant, aunque podría serlo, pero en el marco de una ciudad canadiense donde no faltan los jóvenes que se plantean si no les convendría dejar el francés y empezar a hablar inglés.

El anterior es sólo uno de los múltiples disparadores con los que cuenta este film que habla también de Plutón, pero que a la vez está bien clavado en el planeta tierra, bien cerca de los problemas de quinceañer@s que estudian y comen todos los días (es decir, nada del "pintoresquismo" de la pobreza latina bajo óptica for export) pero se debaten en temas no menos atendibles como el uso del preservativo, la importancia de tener amigos sólidos o... bueno... si el trabajo práctico para el colegio es sobre Matt Damon o Ben Affleck.

Justa, precisa, sin golpes bajos y con la mirada afilada para la ocasión, la dupla que dirigió este opus le imprimió los tonos y tiempos justos y se agradece la falta de excesos y, sobre todo, la ausencia de escaseces.

* * * * / Castelo

crítica: Mamachas del Ring

2009-03-29T22:25:00.003-03:00

Mamachas del Ring. EE.UU. / Bolivia. 2009. Dir: Betty M. Park.

Cholas bolivianas suben a un ring y pelean con doble nelson, patadas voladoras y sangre incluida. ¿Hace falta más para correr al cine a ver de que se trata? Una realizadora de cuna oriental, ciudadana made in USA viajó hasta Bolivia para retratar el particular submundo de las luchadoras con pollera.

Con pulso documental y dramatizaciones en stop motion, Betty Park logra un buen trabajo que, digamos la verdad, habría que hacerlo muy mal para hacerle perder el interés, montado sobre una temática de por sí bizarra.

Quizás le juegue en contra el uso de una banda de sonido demasiado ecléctica (cumbia centroamericana + ¡Juana Molina!) y canciones cantadas que se mezclan en aire con los dichos de las protagonistas.

Sin embargo, estamos ante una propuesta que aprovecha la originalidad de lo que cuenta y lo hace sin mayores tropiezos, a lo largo de 74 minutos donde el fuera de campo (el contexto político-social de un país donde la población sigue sumida en la pobreza) se nos termina antojando como mucho menos importante que lo que vemos en cuadro.

* * * / Castelo

crítica: The Odds of Recovery

2009-03-29T14:46:00.002-03:00

The Odds of Recovery. 2002, USA. Dir: Su Friedrich

Su Friedrich padece uno de esos males cuyo nombre siempre resulta agresivo expresar, alojado puntualmente en su seno derecho. The Odds of Recovery sirve como ejemplo (documental) de que ciertos representantes de un campo tan meritorio como el medicinal son de lo más inadaptados y no recuerdan ni nuestros nombres ni la posología de los medicamentos oncológicos que pueden llegar a recetarnos. También sirve como ejemplo para demostrar que algunas veces (sólo algunas veces) ciertas prácticas orientales pueden funcionar de maravillas como cura ó paliativo de ciertas dolencias mortales occidentales, aunque esto no siempre funcione y los resultados sean dispares respecto a cada paciente, convicciones y voluntad aparte.

El final de algún modo feliz no asegura que lo que practicó Friedrich sobre su cuerpo sea 100% efectivo sobre el resto de los afectados, pero es agradable ver que al menos con ella ha funcionado. The Odds of Recovery funciona de modo similar: Tal vez no resulte completamente efectivo, pero resulta agradable.

* * * / Celina

Agregado Freak: La señora Su Friedrich se presentó frente a la masa espectadora en la sala 4 del complejo Hoyts y manifestó con enojo -pero sin perder jamás la buena predisposición y la tranquilidad- que lamentaba que el film haya sido proyectado en blanco y negro por cuestiones de norma y compatibilidad, y que nadie lo haya percatado, pues su film contiene odas a puro color en concordancia con sus estadíos emocionales. Nada de ello pudo ser apreciado por los espectadores, aunque un espectador se encargó de decirle a la señora Friedrich que él había entendido todo.

crítica: McDull, Prince de la Bun

2009-03-29T01:23:00.006-03:00

McDull, Prince de la Bun. 2004, Hong Kong. Dir: Toe Yuen.

Intercambiemos Paquidermo (elefantito) por Artiodáctilo (chanchito) y obtendremos -a nivel pincel- un hermoso Babar porcino con ojos tan pequeños como sus patas plenas de espasmos e imaginación tan (o mucho más) grande que la ciudad empapelada que aparentemente lo contiene y mucho (pero mucho) más brillante que la coronita que ostentaba el papá de Babar sobre su lustroso cráneo.

El seno familiar que exponía el elefantito de Jean de Brunhoff aquí no existe: El universo sentimental de McDull se reduce a una mamá cerda que ultima detalles para procurarse unos metros cuadrados de prado en el cielo, un papá ausente en lo físico pero muy presente en el relato que mamá cerda construirá para que McDull logre descansar, una compañera que habla tanto como crece, y dos compañeritos (un pescador y una preciosa tortuga del tamaño de un dedal) que apoyan a McDull en un itinerario (calificarlo de "derrotero" sería incorrecto) en el cual el tándem entre lo real (una urbanidad asfixiante y reiterativa, incluso con su decorado de parque de diversiones) y la fantasía (un reino de ensueño) se desdibuja mientras el dibujo -valga la redundancia- se torna más brillante que nunca y nos demuestra que existen formas de que lo denso y oscuro sea retratado de modo encantador y de que un espasmo en la pierna en algunos casos puede ser motivo de satisfacción espiritual cuando no de extrema simpatía.

Suertudos los menudos habitantes de Hong Kong de crecer visionando esta clase de maravillas.

* * * * / Celina

crítica: Yakuza Eiga

2009-03-29T00:32:00.006-03:00

Yakuza Eiga: Une Histoire Secrète du Cinéma Japonais. Francia, 2008. Dir: Yves Montmayeur.

La reseña del catálogo indica que el formato de este film roza el guardabarros del clasicismo.

No encontramos clasicismo alguno en escuchar (y ver) a Takashi Miike a bordo de un auto carísimo diciendo que los yakuzas de antes eran unos idiotas en contracara con los actuales, más listos por que dejaron la bravuconería de antaño y se dedicaron a los negocios empresariales. Tampoco hallamos clasicismo alguno cuando escuchamos a Sonny Chiba diciendo que los yakuzas son (más o menos) como samuráis y dignos de su absoluto y total respeto.

Mucho menos clasicista resulta el análisis que Yakuza Eiga realiza sobre la bestial pentalogía Jingi Naki Tatakai (Battle Without Honor and Humanity) dirigida por el también bestial Kinji Fukasaku, que se da el lujo de aparecer aquí comentando parte del placer que generan los Yakuzas.

Ni qué hablar de Noboru Ando, auténtico jefe Yakuza con un hermoso tajo en el costado izquierdo de su cara, renunciando a su cargo y desbaratando su organización ante las avispadas cámaras niponas, americanas e inglesas.

Entretanto, podemos enterarnos a través de Yakuza Eiga que la compañía Toho -luego del furor inicial de Godzilla- contrataba auténticos yakuzas para realzar la veracidad del cine ídem, por no decir que directamente guionistas y directores salían de copas con verdaderos asesinos para obtener jugosos datos e historias dignos de plasmar en imagen.

Grato film sobre cine violento japonés basado en organizaciones del submundo, apuntalado por comentarios y opiniones de sus auténticos creadores, artífices e inspiradores. Muy poco clasicista en su formato, si nos preguntan.

* * * / Celina

Lo mejor del Domingo 29/3

2009-03-28T23:38:00.003-03:00

Chelsea on the Rocks ((Entradas agotadas))
11.30 Hoyts Abasto
Abel Ferrara nos cuenta la historia del hotel más mítico de New York, a puro sexo, drogas y rock´n roll.

Hit
13.15 Atlas Santa Fe

Kirikou y la hechicera ((Entradas agotadas))
13.45 Hoyts Abasto
Animación ATP para adultos.

Mami te amo
15.00 Hoyts Abasto
Tragedia edípica en varios actos.

Tumbi-Tom and the Creature of the Jungle
16.15 Hoyts Abasto
Animación para adultos, pero ATP.

Básicamente un pozo
16.15 Hoyts Abasto
La gente de Humus producciones cavó, cavó, y logró un largometraje que va de lo hipnótico a lo absurdo.

La maman et la putain
17.15 Hoyts Abasto

A l'ouest de Pluton
17.30 Hoyts Abasto

Mamachas del ring
19.15 Teatro 25 de Mayo
Las cholas bolivianas que hacen catch y ya son el fenómeno del festival.

Stalags - Holocaust and Pornography in Israel
21.00 Hoyts Abasto
Si viste la saga de Ilsa, tenés que ver esto. Y si no, también.

Tony Manero
22.45 Hoyts Abasto
El profe de baile que cree ser la encarnación de Travolta en Saturday Night Fever, otro candidato a personaje del año.

Encarnação do Demônio
22.45 Atlas Santa Fe
Lo más bizarro del cine bizarro brasileño.

Not Quite Hollywood: The Wild, Untold Story of Ozploitation
22.45 Arteduplex Caballito
El cine australiano tuvo su etapa de demencia alucinógena clase B y la tenemos retratada en este gran, enorme documental freak.

Know Your Mushrooms
23.00 Hoyts Abasto
Todo lo que siempre quiso saber sobre hongos y no se animó a preguntar.

This Smell of Sex
23.00 Arteduplex Caballito
Huele bien, huele raro, huela huela, no le hace falta equipaje.

Wrangler: Anatomy of an Icon
23.45 Hoyts Abasto
Un actor porno que no es John Holmes ni Rocco Sifredi tuvo su propio documental. Aquí lo tenés.

crítica: Igor

2009-03-28T22:01:00.003-03:00

Igor. EE.UU. / Francia. 2008. Dir: Anthony Leondis.

Una de las mejores novedades de esta edición del festival es la incorporación de la sección Baficito, que posee una selección de (casi todas) películas destinadas a los más chicos de la familia, pero que son también una buena opción para los adultos.

Winnie the Pooh, go home.

Igor quizás sea de las más destacables opciones disponibles en este conexto ATP. Más allá de que su pertenencia indie sea un tanto discutible (lo primero que vemos es al león de la Metro rugiendo desde el mainstream) el film ofrece algunos pasajes de humor negro que conquistan al público adulto y ayudan a que los pequeñines ingresen al mundo de la incorreción.

Por otro lado, su deuda con el diseño de personajes de El mundo de Jack le juega a favor, ya que logra despegarse con una estética propia y un guión que, como plus, aporta buenas ideas, además de numerosas situaciones inteligentes y bien resueltas.

Para chicos, sí, pero más que nada para degustadores de buenos relatos animados.

* * * 1/2 / Castelo

crítica: Hunger

2009-03-28T21:49:00.004-03:00

Hunger. Gram Bretaña / Irlanda. 2008. Dir: Steve McQueen.

El homónimo del otrora star de Hollywood parió en su única realización hasta el momento un duro y claustrofóbico relato sobre un grupo de combatientes del IRA, presos en condiciones inhumanas y que se encuentran en plena huelga de hambre.

Vejaciones de los carceleros, planes frustrados, diálogos de alto contenido político e impronta radical y urgente, y un cura que sirve como intermediario entre la mirada incendiaria y el afuera.

De fondo, palabras que hablan, desde el poder político y con eufemismos fácilmente detectables, sobre esa vieja cuestión de que "al enemigo ni justicia".

Potente, con una impuesta frialdad en algunos pasajes, a la vez que con necesaria sangre caliente en los momentos clave, Hunger es uno de esos tragos difíciles en medio de la fiesta indie porteña. Aunque un trago que nunca está de más probar, claro.

* * * / Castelo

crítica: Graphic Sexual Horror

2009-03-28T02:21:00.023-03:00

Graphic Sexual Horror. 2009, USA. Dir: Barbara Bell y Anna Lorentzon

Desde aquí nos permitimos sugerir que conviene dejar de lado la carga teórica judicial que contienen ciertos términos tales como "abuso deshonesto", "vejámenes" y "tortura" antes de audiovisionar Graphic Sexual Horror. No debemos olvidar (si lo deseamos) que todo es parte de una performance artística ó de un "show", según las propias palabras de Brent Scott, artista dominatrixxx que realiza performances sadomasoquistas que llenan el huequito fetichista de 33.000 internautas y también las arcas del sitio web que Scott controla.

Scott también parece controlar algunos otros elementos, como su rol dominante en el juego masoca y su facilidad para agrietar cualquier discurso florido que respalde su obra (enfatiza el arte tanto como el show, tanto la entrega artística como el lucro -lo nombra 7 veces- y tanto la disciplina absoluta como los permisos pequeñitos que se autoconcede con sus actrices/"sumisas" detrás de cámara).

Nada de esto debería resultar molesto si tenemos en cuenta que el individuo sumiso accede al juego/arte, participa del mismo y parece demostrar gozo luego de la EEE (experiencia erótica extrema) sin importar en qué consista la misma (puede tratarse de cubrir tu sexo con pimienta negra líquida para generar ardores indescriptibles ó picanearte la piel). ¿Te excita mucho? Bien. ¿No te excita para nada? También está bien.

Bell y Lorentzon ubican la cámara y narran dejando que ellos -los participantes del juego- narren, y el resultado (enriquecido por impactantes fotografías que relucen y destacan notoriamente por sobre el soporte de registro digital que presenta el documental) es un interesante desafío para el espectador respecto a qué sentir y de qué modo interpretar lo que allí sucede.

Resultó placentero descubrir que las risitas nerviosas que acompañaron el comienzo de la proyección mutaron un par de minutos después en gestos bucales de ésos que expresan impresión ó desagrado.

Duda 1: Tenemos para nosotros (zonafreak) que la tortura provoca en quien la sufre/recibe el quiebre completo de su voluntad y albedrío, quedando dicha persona reducida a una masa gelatinosa balbuceante dispuesta a todo. Con ó sin orgasmo. ¿El sumiso no quiere parar ó ya no puede parar? Duda que podemos liquidar fácilmente repitiendo, como dice Brett, que sólo es un show que te puede excitar y que si te duele mucho se puede detener diciendo la contraseña "ah-ah".

Duda 2: ¿Por qué casi siempre es el género fememino el que cumple el rol "sumiso"? Zonafreak desearía mucho ver al Sr. Brett desnudo, atado y sumergido en una pileta llena de Ades de Manzana hirviendo y pirañas con dientes de 7cm. de largo. Si sólo es un show metódicamente controlado y una obra estéticamente cuidada y se puede detener diciendo "ah-ah".

Duda 3: ¿Cuántos espectadores habrán abandonado la sala en estado horny?

? ? ? / Celina

crítica: Tom Yum Goong

2009-03-27T15:22:00.003-03:00

Tom Yum Goong. Tailandia. 2005. Dir: Prachya Pinkaew.

Del mismo director que la gran Chocolate, tenemos en el BAFICI el film inmediatamente anterior a aquel.

La historia es simple y como suele suceder dentro del género de artes marciales, gira en torno a una venganza, que será ejecutada a puñetazo y patada limpia, en este caso por un joven que se mete en el centro mismo de la mafia tailandesa en Australia para rescatar a su raptado... ¡elefantito!

Lo bizarro de la trama hace justicia con un par de excelentes momentos de lucha, sobre todo el del primer ataque de nuestro héroe, así como también un plano secuencia que nada tiene que envidiarle a la intro de Touch of Evil, con el extra de una sucesión de golpes incontables.

Sin embargo, algunos groseros baches en el guión y una narración que cuando carece de peleas pierde por knock out, dejan a la cinta con saldo negativo y con ganas (o necesidad) de volver a ver su opus posterior a base de cacao y golpizas con touch femenino.

* * / Castelo

crítica: Pansy Division

2009-03-27T12:34:00.007-03:00

Pansy Division (Life in a Gay Rock Band) USA, 2008. Dir: Michael Carmona.

Dejando de lado el simpático y sugerente hecho de que Chris Freeman sea muy parecido a nuestro Mariano Martínez, podemos decir que tanto Freeman como Jon Ginoli (junto a una ristra casi interminable de bateristas y una segunda guitarra) son verdaderos y auténticos Campeones y Valientes.

Fundadores de una de las más trascendentes bandas Homo-Core (ó Queer-Rock), tanto Ginoli como Freeman nos explican colmados de entusiasmo la génesis del movimiento, los pormenores trascendidos durante las primeras épocas de rodaje (en sentido musical, no cinematográfico), la monumental palanca que significó transcurrir temporadas enteras teloneando a Green Day, y varios pormenores más que nos harán (al menos a nosotros) adorar a estos muchachos artífices de letras tan salvajes como Quiero ser tu puto esta navidad y Me hubiera encantado sacar fotos (a propósito de una noche única con un muchacho que ya no está).

Imperdible el audio de cierto contestador automático, con la voz de Jello Biaffra comentándole a Freeman que a los chicos de Nirvana les encantó el cover queer de Smells Like a Teen Spirit.

Otra Nocturna a tener (muy) en cuenta.

* * * * / Celina

crítica: Carny

2009-03-27T01:24:00.004-03:00

Carny. USA, 2008. Dir: Allyson Murray.

El halo deprimente y aterrador (pero no por eso menos delirante y atrayente) que dispara cualquier feria gringa de carnaval no es arbitrario si recordamos películas como Funhouse ó Wax House. Lo que Allyson Murray logra en Carny es nada mas ni nada menos que ubicarnos en la parte contigüa del mostrador, para que los engranajes vitales de una feria itinerante (léase magos, contorsionistas, frontmens, mecánicos, heladeros y hombres-bozo) le expliquen a la cámara -como intentando convencerse y, de paso, convencernos- por qué están allí y por qué no piensan moverse de allí y por qué -he aquí lo precioso- les gusta hacer lo que hacen. Durante el transcurso de Carny contemplaremos no sólo la vitalidad que emite la gente de estas ferias, si no también gran parte de sus mambos y sus penurias, lo cual convierte al film en un interesante docudrama pleno de caballos gigantes, encantadoras muchachas rapadas símil Teena Brandon, señores que no tienen ningún reparo en escupirnos burlas xenófobas con tal de que les propiciemos un merecido chapuzón y varios individuos más por los cuales P.T. Barnum hubiera ofrecido mucho más dinero del que aquí declaran ganar por mes.

Especialmente recomendada si visitaron alguna feria nocturna en San Clemente ó Santa Teresita ó cualquier localidad de ese bello rosario dado en llamar Partido de la Costa, aunque Carny exponga su bella mugre en la Costa Oeste de gringolandia.

* * * / Celina

crítica The Last Winter

2009-03-27T00:08:00.003-03:00

The Last Winter. EE.UU./Islandia. 2006. Dir: Larry Fassender.

Pacha Mama is over, podría ser un título alternativo para este ¿thriller? de horror políticamente correcto sobre un grupo de hombres que traban al norte del norte del mundo y se encuentran cara a cara con la venganza de la naturaleza tras siglos de maltrato humano.

Terror ecológico, militancia de trinchera verde, auspicio tásito de Greenpeace y demás cuestiones pululan por el aire fílmico mientras este último invierno transcurre sin mayores sobresaltos hasta los casi cincuenta minutos de relato.

Ron Perlman, lejos de su Hellboy pero igual de efectivo, se ubica al frente de un puñado de personajes que complementan con lo mínimo necesario un elenco encerrado en la nada de la nieve eterna, a la vez que cercado por un guión con pocas ideas y una dirección rutinaria, que no está a la altura del discurso justiciero y a la que una o dos buenas escenas de terror alla The Ring no le alcanzan para ponerla a la altura de sus pretenciones.

* * / Castelo

crítica: Winter Silence

2009-03-26T15:09:00.005-03:00

Winter Silence. Holanda/Suiza, 2008. Dir: Sonja Wiss

El film contemplativo y complejo nuestro de cada BAFICI. El primero, por ahora. La ópera prima de Sonja Wyss centra su contenido en lo que sucede -o no sucede- en una familia colmada de mujeres (madre, tía, jóvenes damas) cuando el pater familiaris de dicha manada muere víctima de un tropezón en un peñasco. La acción -ó la inacción- transcurre en medio de los alpes, un sitio propicio para la profusión de rituales ortodoxos y los sonidos extraños que emergen de la tundra.

Lo mejor para visionar Winter Silence podría ser dejar de lado interpretaciones (abortos sugeridos inclusive) ó prejuicios y acomodarse en la butaca preparados para sentir auténtico frío durante 70 minutos, y empacharse de imágenes bonitas (aunque estén en rabioso digital) y sorprenderse con una serie de planos extraños que incluyen el desollamiento de un conejo (otro más) y la preparación in situ de una bebida anticonceptiva por demás extraña en este hemisferio: Virgen María en Polvo. (¡!)

* * / Celina

crítica: The Wrecking Crew

2009-03-26T13:22:00.005-03:00

The Wrecking Crew. USA, 2008. Dir: Denny Tedesco.

Una gran oportunidad para conocer a los héroes anónimos del rock: Los músicos de sesión que generaron aportes (y no tan solo aportes) a discazos como Pet Sounds y temazos como California Dreamin´ y Spanish Flea.

Comandados (es un modo de decir) por el excelso guitarrista Tommy Tedesco (abuelito del director), estos muchachos -y muchachas- partían de la nada absoluta en la mayoría de los casos y generaban melodías irrepetibles a fuerza de paciencia, dedicación y (sobretodo) talento.

El documental, bellamente enriquecido por la música de la cual se habla, quizá resulte extenso en su metraje, cuestión que no tiene por qué generar inconvenientes si desean presenciar un informe completo sobre esta gente tan poco conocida que tanto ha aportado a la música popular americana.

Por allí desfilan Tedesco, la bestial bajista Carol Kaye (candidata a FemmeFatale Bafici 2009 -foto-) Plas Johnson y varios más, apuntalados por gente de la talla de Brian Wilson (admitiendo con amor y respeto que estos muchachos ejecutaron el 90% de lo que se escucha en Pet Sounds) y Frank Zappa, que nos pide desde la pantalla que no nos mofemos de un Tommy Tedesco entrado en años vestido de bailarina ofreciendo un show para la TV americana. No sólo nos pide que no nos mofemos si no que además nos pide que prestemos atención al grito musical de Tedesco y lo comprendamos.

Creemos haberlo comprendido.

* * * * / Celina

Be Snob Baby

2009-03-25T19:58:00.004-03:00

Zonafreak.com.ar, sosteniendo posición desde... no podemos acordarnos el año preciso.

crítica: Not Quite Hollywood

2009-03-25T19:37:00.008-03:00

Not Quite Hollywood. Australia, 2008. Dir: Mark Hartley.

Aunque ya haya sido visionada (y bienrecibida) en Mardelplata -y aunque el DivX esté circulando vía torrent hace más de cuatro meses- no sería un desacierto apostarle unas fichas al documentrash de Hartley, si es que aún no lo vieron.

Amén de un invitado especial exacerbado (Quentin Tarantino) que no deja de tirar bellos, desmedidos confites respecto a la increíble cantidad de films que Not Quite Hollywood descuartiza y analiza, obtenemos en esta pieza el análisis definitivo sobre lo que el cinema australiano se animó a parir desde los albores de la década del 70 hasta bien entrados los 90s. Cuando decimos "análisis definitivo" y "cinema australiano" nos referimos, por supuesto, al movimiento que corrió en paralelo a la alta escuela de Weir y Schepisi (sólo por citar dos monstruos australianos) al compás de films tan descarados como Stork y Patrick y tan violentos como The Road Warrior y Stone; plenos de acrobacias imposibles, accidentes automovilísticos dignos de más de un cadáver y temáticas escatológicas plenas de vómito, monjas empaladas, bailarines licántropos y canguros venenosos. Imperdible el por demás merecido homenaje a la filmografía (casi completa: Faltó Night of the Demons 2) de Brian Trenchard-Smith, el benemérito director de Los Bicivoladores.

Altamente recomendada si no han tenido la gracia de apreciar el miembro reproductor de John Holmes en pantalla grande y desean ver de qué se trata.

* * * * / Celina

crìtica Encarnacao do Demonio

2009-03-25T13:58:00.003-03:00

Encarnacao do Demonio. Brasil. 2008. Dir: Josè Mojica Marins.

Uno de los personajes màs bizarros que haya dado el cine bizarro (Ze do Caixao, por si hace falta la aclaraciòn) està de regreso con todo el poder de su tercera edad. En este caso el gran personaje creado por José Mojica Marins afila sus interminables uñas para seguir destrozando vìctimas.

Despliegue de tripas, cadàveres por doquier, frases que merecen ser parte de un museo de textualidades célebres, y un villano con conciencia social (el momento en el que Caixao se lamenta por ver un niño desclasado aspirando pegamento, es imperdible). ¿Algo más?

* * * * / Castelo

crítica: Chocolate

2009-03-25T09:55:00.005-03:00

Chocolate. Tailandia. 2008. Dir: Prachya Pinkaew. Sección Nocturna.

Si el maltratado género de las artes marciales logra sorprender tanto al público avezado como a los principiantes, es porque una gran película se hizo presente para plantar bandera. Este es el caso de esta producción sobre una niña adolescente autista que se conecta con el mundo a través de las patadas voladoras que aplica a los que se meten con su familia.

las coreografías que presenta el film recuerdan al mejor Jackie Chan, al tiempo que sus últimos quince minutos podrían contarse entre lo mejor del cine karateka.

* * * * / Castelo

Grilla recomendada Jueves 26/3

2009-03-25T09:24:00.002-03:00

The Last Winter
13.45 Atlas Santa Fe
Según críticos de todo el mundo, "la mejor película de terror sobre el calentamiento global". Cuac.

Beautiful Losers
14.15 Hoyts Abasto
La escena del arte alternativo yanqui durante los años 90, retratada con urgencia y fiereza.

Sita Sings the Blues
14.45 Malba
Comedia animada que rompe convenciones no sólo del género sino también de lo que puede o no decirse sobre una religión, en este caso la indú, y su relación con la mujer a través de la historia.

Not Quite Hollywood: The Wild, Untold Story of Ozploitation
16.30 Hoyts Abasto
Este documental sobre el humor bizarro australiano fue una de las mejores películas del festival de Mar del Plata 2008 y amenaza con suceder lo mismo aquí.

U
17.30 Hoyts Abasto
Dice el catálogo "Mona es una princesa pero vive maltratada por unas ratas feas y antipáticas. Un día conoce a U, una chica unicornio que le dice que está ahí para acompañarla y asegurarle la felicidad. Mona y U se vuelven amigas inseparables". Ok, allí estaremos.

Pansy Division - Life in a Gay Rock Band
18.30 Hoyts Abasto
El título lo dice todo.

Chaplin por Músicos Argentinos en Vivo
21.00 Teatro 25 de Mayo
Cortos de Chaplin musicalizados en vivo por Juana Molina y otros.

Tom yum goong
22.00 Hoyts Abasto
El BAFICI tenía que tener otra película sobre artes marciales, clásica, deudora de Bruce Lee, Jet Li y Jackie Chan. Acá está.

Mamachas del Ring
23.30 Hoyts Abasto
Cholas bolivianas en plan 100 % Lucha.

Hansel y Gretel
23.30 Malba Cine
Un adulto encerrado en una casa dominada por tres niños descubre de qué se habla cuando se habla de miedo y angustia.

Tres es multitud (Rushmore)
23.45 Hoyts Abasto
Una de las mejores comedias de todos los tiempos (dirigida por el gran Wes Anderson) es parte del BAFICI. Albricias.

Comienza la maratón cinéfila

2009-03-25T09:16:00.003-03:00

Es hoy, más allá de que la verdad se revele mañana, cuando den incio las proyecciones al público.

En la noche de hoy se exhibirá (sólo para invitados especiales) el largometraje argentino-uruguayo Gigante, de Adrián Benítez, reciente ganador de tres premios en el Festival de Berlín.

Será en el cine-teatro 25 de Mayo (Triunvirato al 4400) de Villa Urquiza.

Este año, hasta el 5 de abril, el BAFICI contará con 417 títulos a lo largo de 20 salas, un total de 1.069 funciones y más de cien actividades especiales.

Faltan pocos días...

2009-03-22T16:21:00.007-03:00

.
Ya está todo listo. Las salas calientan los proyectores y los cinéfilos porteños preparan los ojos para quemarlos durante diez días a puro fílmico.

En tanto, desde ZonaFreak.com.ar afilamos la mirada y tildamos favoritas, necesarias e imprescindibles.

Date una vuelta por http://www.ZonaFreak.com.ar y enterate.